作家与摄影/桑迪·金（Sandy King）
大多数照片是具有代表性或事实重要性的代表性图像，这些图像使指示者（现实中的被指）比指示者（照片）更具优势。这是摄影的本体论性质，它提供了大多数人对媒体的期望。
绘画主义的美学和技术策略更多地证明了对自然的遵守，而不是对自然界中事物的遵守，仅要求对指称者进行解读。因此，一棵粗糙的，腐烂的树桩不仅被视为物体，而且被视为自然的象征，甚至被视为死亡和腐烂。Barthes将这种阅读称为“语言之外的钝性含义，但在我们可以称为对话的内部”。1个
定义与辩论
什么是画报主义？迈克·韦弗（Mike Weaver）提供了一个有趣的定义，指出图片摄影的目的是“在没有特别提及文献或设计价值的情况下，使精美图片的感性美与精美图片的道德美相辅相成。无需特别考虑地形特征。” 2这是风景如画的定义，被理解为一种非正式的风格，呈现出对自然的点缀模仿，通常不受人的影响。如诗如画的表现是绘画主义的重要特征。其他重要的品质是：1）对艺术创作的审美关注，而不是对场景的记录；2）只有通常通过手工操作显示出制造者个性的图像才能被视为艺术品；3）对室外景观中自然采光的效果和样式感兴趣；4）场景的印象派渲染，其中整体效果比细节更重要；5）使用象征或寓言来揭示信息，以及6）使用替代印刷工艺：碳和咔bro，重铬酸胶，油和溴油，直接碳，
从一开始就对摄影的本质进行了辩论，从而定义了摄影的参数，为了自身利益而将美感与功利主义相提并论，以照片为艺术，以照片为记录，以事实为虚构，以现实为理想。
两种竞争过程
由于历史的非同寻常巧合，摄影不是从一个摄影过程开始，而是从两个摄影过程开始，每个摄影过程都大相径庭。和calotype，可以产生更柔和，更绘画的图像质量。这两种摄影模型在许多方面都定义了使用介质的相反目的。daguerreotype的清晰切割图像暗示了纯摄影或笔直摄影的路径，而柔和的calotype似乎更适合渲染风景如画。
画报起源：罗宾逊和爱默生
作为一种艺术运动，绘画主义在亨利·桃·鲁滨逊和彼得·亨利·爱默生的著作中都有其思想基础。罗宾逊提出了一种构想，即摄影在本质上是象征性或寓言性的，其构想是“对自然的真实”而不是“对事实的真实”。在图片摄影中，象征主义可能只是装饰性的，如在树林中若虫的描绘，或者寓言性的，因为所描绘的场景的主要目的是传达信息。因此，光线代表着纯洁或神性，美丽的女人代表着美。罗宾逊（Robinson）出版了几本关于摄影美学的书，包括《摄影中的摄影效应》1869年，鲁滨逊在这本书中坚持对自然的真理，这不一定涉及严格遵守事实。对于鲁滨逊来说，事实是存在的，但事实是没有虚假。
绘画学院始建于1880年代后期，它从前几代人那里汲取了风景如画的美感，很大程度上是基于英国人彼得·亨利·爱默生的理论，在他的作品《自然摄影》中最简洁地表达出来。艺术，于1889年首次出版。在艾默生在自然摄影中阐述的众多概念中，有两个对绘画主义的发展至关重要：对自然的真理和色调压缩的理论。
艾默生坚持对大自然的真理概念，这对他而言意味着在艺术中真理与事实是一体的。这个概念代表了亨利·佩奇·鲁宾逊（Henry Peach Robinson）实践的寓言绘画主义理论基础的明确拒绝，后者早些时候曾说过“艺术的真理可能存在而没有绝对的事实遵守”。3真理自然的爱默生的想法，在摄影模式结合他在他的照片书提供的，在生活和景观的的诺福克广泛，带领Pictorialism向景观为相机优选的对象。
艾默生还定义了绘画主义的技术考虑。利用费迪南德·冯·亥姆霍兹（Ferdinand Von Helmholtz）提出的人类视觉理论，他得出结论，没有艺术可以复制自然界发现的多种色调。这导致他建议应该大大压缩照片的色调值。为了在自己的作品中实现音调压缩，艾默生使用了铂金工艺，从而在主题和工艺之间建立了重要的联系。
持久影响
尽管艾默生后来放弃了许多自己的著作，但他的作品对英国摄影师乔治·戴维森和阿尔弗雷德·马斯克尔产生了深远的影响。他们开始尝试各种印刷技术，以尝试复制艾默生铂金印刷的柔和色调。摄影运动是1891年夏天在维也纳业余摄影俱乐部举办的戴维森和马斯克尔作品展览的奉献仪式。围绕这一活动的喧嚣声将摄影运动确立为艺术摄影的主要趋势，这一地位在欧洲占有重要地位。和北美，直到第一次世界大战结束为止。
操纵的重要性
在技术逗号领域，对绘画者来说，使用允许操纵最终图像的替代印刷策略至关重要。无论最终结果是记录场景还是制作“艺术品”，技术在摄影实践中都至关重要。对于试图传达内部的，主观的，远见的绘画家，以及旨在发现或仅仅记录现实的纯粹主义者，在所有时期都是如此。但是，对于绘画家来说，过程比真实的表现更为重要，他们常常出于自身的利益而重视它，因为最重要的考虑因素不是所描绘的东西，而是它如何填充版画的构成空间。在本质上，4
版画的“句法”
当代感性强调摄影是一种不受媒体约束的创造性活动，但是这种态度过于严格。不可能将照片看成是没有目的的结局，因为每张照片都是“摄影师在技术框架内做出决定和发现的过程的最终结果”。5该过程的最终结果是照相语法，它由介质的化学，光学和机械关系决定。6该过程的最后阶段是版画语法，它确定图像的最终，有形形式。在此阶段，对象的所有元素都很重要，因为打印材料的颜色，纹理，色调比例和反射质量对内容的表达方式有非常实际的影响。7
版画的语法在摄影发展的每个阶段都具有绝对的重要性，尽管它的重要性常常被忽略或误解。但是，在任何时候，版画的语法都比沙龙摄影时期更为重要或令人印象深刻，因为照片被印刷用于展览，而不是用于书籍或杂志。8摄影家也许比其他任何摄影运动都更好，但他们理解“原创”的重要性，因此“花费了大量精力寻找使印刷品具有最大表面美感的方法”。9
颜料印刷–印刷工艺
所有颜料印刷工艺的起源都可以追溯到法国人Alphonse Poitevin于1855年获得的专利。Poitevin在他的专利中描述了非常类似于直接碳和重铬酸盐胶的方法，以及共型，油和溴油法。颜料印刷的现代历史始于1890年代初期的照相印象派时期。1890年，乔治·戴维森（George Davidson）在伦敦摄影学会年度展览上以题为“老农庄”的针孔照片（戴维森后来更名为“洋葱田”）获得了最高奖项。10该奖项在皇家摄影学会中引起了分裂，即旧派的拥护者相信坚硬的焦点和硬切的镜头，而新派的拥护者则钦佩大气效果和焦点扩散。立即产生的结果是“链接环”的成立，这是一群致力于画象原理的新学校摄影师。
尽管针孔照相机提供了摄影家所需的柔和图像，但摄影师对最终图像的控制仍然有限。摄影家认为，可以用与判断其他照片相同的标准来判断照片。11人们普遍认为，只有手工制作的照片才能被视为艺术品。艾默生（Emerson）使用的铂金工艺在摄影家中很受欢迎，但是该工艺并没有使摄影师自己介入。所需要的是一种灵活的打印过程，该过程允许摄影师进行物理干预并控制最终图像。结果，许多艺术家/摄影师开始尝试替代印刷工艺，以达到他们等同于艺术的效果。这导致了颜料工艺的广泛普及。上色过程被称为“启用”过程，因为它们允许通过手工操作来探索创意。
颜料工艺的绘画用途始于1894年，当时Rouillé-Ladevèze向用胶工艺制作的法国摄影社照相版画的成员展示了。同年，他出版了一本关于这一过程的书，《塞皮亚照片》和《血红照片》。 Robert Demachy和Alfred Maskell进一步普及了12口香糖印刷。13重铬酸口香糖立即成为绘画家的首选打印技术，该位置一直保留，直到1900年代早期被更灵活的制油工艺所取代。1904年，GEH Rawlings将油印作为照相工艺引入，并在很短的时间内使口香糖黯然失色。Bromoil是石油的姊妹工艺，由C. Welborne Piper于1907年提出。
进入20世纪
尽管在第一次世界大战结束前画象主义在学校中就消失了，但直到1930年代，画象主义作为一种运动仍作为一种重要的摄影趋势得以幸存，尽管受到直板摄影家（所谓的纯粹主义者）的越来越多的反对。绘画家和纯粹主义者之间的争议在当时的摄影杂志上进行了一系列辩论，最终在1930年代的《 Camera Craft》杂志上发表，当时的主要绘画家William Mortensen与Ansel之间交换了文章亚当斯（Adams）为直接摄影事业辩护。
